Великий Гегель говорил: "Подлинные бессмертные произведения искусства остаются доступными и доставляют наслаждение всем временам и народам". И это выражение очень хорошо характеризует культурное наследие Италии, так как таких бессмертных произведений здесь неисчислимое множество.  

Италия – это страна, которая изначально пропитана непередаваемой магией творчества. Под небом Италии творили выдающиеся мастера Микеланджело и Леонардо да Винчи, Рафаэль Санти и Тициан, Данте и Боккаччо – продолжать можно бесконечно, Италия – это культурная колыбель Европы и благодаря неординарным, трудолюбивым и креативным итальянцам, эту страну по праву называют – музеем под открытым небом.  

Очень точно выразил творческую сущность Италии критик Н.А.Бердяев, который считал Италию островком вдохновения в этом постоянно куда-то бегущем мире. «Тоска по Италии — творческая тоска, тоска по вольной избыточности сил, по солнечной радостности, по самоценной красоте. И Италия должна стать вечным элементом души. Италией лечим мы раны нашей души, истерзанной больной совестью, вечной ответственностью за судьбу мира, за всех и за все. Не только от уныния русской жизни, но и от ее величия, от Гоголя, Достоевского и Толстого, от всего трудного и мучительного стремимся мы в Италию подышать вольным творческим воздухом. Италия обладает таинственной и магической силой возрождать душу, снимать тяжесть с безрадостной жизни. Такова вечная, неумирающая, неразрушимая Италия». Все бесчисленные творения художественного гения человека объединяются в единое понятие – искусство, непреложным законом которого является связь с жизнью, ведь именно она и есть источником искусства. И если уже начинать изучение искусства, то лучше начинать из самого прекрасного – итальянского искусства, развитие которого отображает историю развития всего западного искусства.  

Италия стала достойной преемницей этрусской цивилизации, а особенно Римской республики и Римской империи, которые были лучшими в этой части мира на протяжении многих веков. Со времен Ренессанса Италия занимает центральное место в европейском искусстве, сумев восстановить свои позиции на международной арене, не уступив художественному законодателю всего западного мира Франции, которая достигает зенита своего художественного развития через такие направления как рококо и неоклассицизм.  

---

Великий Рим - колыбель итальянского искусства

---

Город-государство на реке Тибр, в последствии властелин всего бассейна Средиземного моря и западной Европы. К сожалению, древнейшие сооружения Рима не сохранились, но благодаря историкам мы знаем, что строителями первых римских храмов были северные соседи римлян – этруски, умелые архитекторы и скульпторы, которые многому научились у греков, с которыми были завязаны торговые отношения. А поскольку в VI – V вв. до н.э. у этрусков была более развита культура, чем у римлян, то не удивительно, что именно они были приглашены для строительства первых храмов Рима. Этруски создавали и скульптуры для храмов, и статуи для украшения города. Одним из ярких примеров искусства этрусков сохранившихся до наших дней являются картины, которые сохранились на стенах могил. Это фрески из «Гробницы львиц» в Тарквинии. Этруски очень богато украшали гробницы где покоились близкие им люди. В основном это были фрески, фигуры, посуда, предметы быта. На фресках изображали повседневную жизнь людей, сцены охоты, пиршества, домашних животных, иногда похоронные обряды. Часто героями картин являлись крылатые божества смерти, мрачные демоны, грифоны и другие фантастические существа. Большинство таких картин находится в усыпальницах Тарквинии, Корнето, Кьюзи, Черветри, Вульчи и Орвието. Учёными открыто и исследовано более 7 000 этрусских усыпальниц, но расписано только около 2% гробниц, из них только 14 открыты для туристов, ведь вскрытие гробниц, их частое посещение ведут к сильному изменению микроклимата, что приводит к разрушению. Повышение влажности приводит к отслаиванию и осыпанию расписанных слоёв вместе со штукатуркой, беспрепятственно развивающиеся плесневые грибки завершают разрушения. Рисунки выполнялись по сырой извести минеральными красками, фигуры объектов вдавливались контуром. Разные породы, на которые наносились рисунки, подразумевали и разную технику подготовки поверхностей: если это были плотные скалы, то наносился только тонкий слой грунта, на пористые туфы наносились штукатурка из глины и извести. Цвет штукатурки был в основном белый или светло желтый, краски тёмно-коричневая, красная и жёлтая, кисточки изготавливались из шерсти животных. Только с середины IV в. до н.э. этрусские живописцы начали использовать в своих работах светотени. Именно техника нанесения рисунка на сырую штукатурку, когда при высыхании живопись, штукатурка и сама стена становились цельным элементом, сохранила живопись этрусков до нашего времени. 

Что же касается Рима, то до наших времён дошла только одна статуя работы этрусского мастера - Капитолийская волчица, кормящая Ромула и Рема, братьев-близнецов, легендарных основателей Рима. Это творение одно время украшало одну из площадей города и стало символом Рима. К сожалению, сами фигурки братьев не сохранились и были сделаны заново в XVII в. Но древние римляне были далеко не романтиками и искусство для них было на втором плане после решения бытовых и государственных вопросов. Именно древние римляне спланировали сильное и разумное государство, а главное – сильную армию, с помощью которой широко распространили своё политическое влияние, серьёзно укрепили свою материальную базу и только после этого обратились к прекрасному. Ведь считалось, что искусство – это роскошь, а главное – военное и физическое совершенствование. Именно благодаря рациональному подходу к жизнидревние римляне придумали новые технологии для улучшения санитарии городских систем, строительства дорог и зданий. Они разработали систему акведуков, которые снабжали пресной водой города. И они же построили канализацию, которая удаляла отходы из городов. Но когда победы принесли Риму богатство и нашлось время заглянуть в себя, римляне и здесь проявили себя. Может быть толчком для этого стало и завоевание римлянами Греции, что приблизило римлян к более развитой цивилизации. Искусство стаёт модным, хотя далеко и не обязательным. Среди богатых римлян стало престижным покровительствовать бедным художникам из разорённой Греции. Мастера передавали свои навыки местным жителям, они добавляли свой колорит, таким образом, к концу республиканского режима, сложилось особенное римское искусство с переплетением элементов этрусского и греческого искусства, но имеющее свой колорит и своеобразие. Отличительной чертой римского искусства стало стремление к роскоши, величественности, декоративности. 

К своей чести римляне быстро научились сами строить храмы, сооружать мосты, дороги и водопроводы. Именно в Риме из гашеной извести, песка и щебня изобрели бетон, и, заливая его в деревянную оболочку, возводили стены. Таким способом можно было возводить огромные здания, арки которых не смогло разрушить даже всесильное время. 

Самое известное строение в мире сами греки называли – громадный (от лат. colosseus - громадный, колоссальный), то есть Колоссей или Колизей. В былые времена на трибунах Колизея помещалось около 50 тысяч зрителей, желавших посмотреть бои гладиаторов. Колизей предназначался для любимых римлянами гладиаторских боев и других развлекательных зрелищ. Построен из туфа, наружные стены облицованы травертином, внутри для конструкций сводчатых галерей использованы кирпич и бетон, трибуны были покрыты мрамором; статуи и стукковые украшения Колизей не сохранились. Арену этого предка наших стадионов можно было заливать водой и использовать как бассейн. К тому же под зданием находились служебные помещения, и занимали они пять этажей. В жаркое время года для комфорта зрителей над трибунами натягивали огромный тент. 240 арок тремя ярусами окружали арену Колизея, которая была в форме эллипса, места для зрителей поднимались уступами в 4 яруса. И если в Греции колонны служили опорой, то в Риме, в строительстве Колизея, они были только декорацией и маскировали толщину стен. Именно использование колон как декораций и отличает римскую архитектуру от греческой. 

В некоторых странах Европы и Северной Африки по сей день сохранились римские водопроводы, мосты и дороги, которые поражают своей грандиозностью, искусным исполнением, остроумием инженерного замысла, к тому же служат людям. 

Одним из высших достижений римской конструкторской мысли стал сомкнутый феерический свод, а просто говоря – купол. Так появился  Пантеон – одно из совершенных образцов римской архитектуры, это круглое здание, перекрытое грандиозным куполом диаметром более 43 метров. Только с изобретением железобетонных конструкций люди научились сооружать купола такого размера. Римляне же построили купол Пантеона с помощью бетона и кирпичного каркаса. Высота купола равняется его диметра, купол представляет полусферу, а в центре купола есть отверстие, через которое проникает свет и освещает всё внутреннее пространство огромного зала. Пантеон поражал богатством своего убранства. Необходимые для облегчения массы купола квадратные углубления, так называемые кессоны, были заполненные золочёными розетками из бронзы, стены выложены разноцветным мрамором, а колонны наружного портика были выточены из цельных гранитных монолитов. 

Особенностью римских городов были термы - общественные бани. В обширных зданиях находились бассейны с проточной водой, ванны с тёплой и горячей водой, парильни, раздевальни, в больших залах занимались гимнастикой. Имелись также библиотеки с произведениями греческих и латинских писателей, кулуары и галереи для философских бесед и дружеских споров. Самые роскошные из сотен римских бань - термы, построенные императором Каракаллой в начале ІІІ в.н.э. Они вмещали до 2 тысяч человек, стены были роскошно украшены цветным мрамором, полы – мозаикой, потолки расписные. Окна в переплётах из золочёной бронзы, а вместо стекла пластины полупрозрачного камня. В залах стояли мраморные и бронзовые статуи. 

Для римского искусства характерны триумфальные арки, воздвигнутые на честь великих побед, важных событий, великих императоров. 

Недалеко от знаменитого Колизея возвышается триумфальная арка в честь завоевания города Иерусалима императором Титом. Арка украшена рельефными сценами из мрамора изображающими триумфальные шествия императора, на которых подчёркнуто торжество победителей. 

Высшим достижением древнеримского искусства стал скульптурный портрет. Источником его возникновения стала религия римлян, в которой доминировал культ предков. В домашних святилищах стояли скульптурные портреты предков, а начав из изображений предков римляне перешли к изображению своих героических современников, потому и расцвет пришёлся на эпоху Римской империи. Как и всё у греков, портреты отличались своей правдивостью, реалистичностью и, по возможности, точнейшего сходства с оригиналом. Римляне не приукрашали изображаемых людей, а смело передавали в мраморе или бронзе морщины, бородавки, обвислые жирные щёки, мешки под глазами. Словно волшебным лучом высвечивались солдатская грубость полководца, хитрость банкира, душевную пустоту аристократа, спесь наместника. Но с такой же беспристрастностью изображалась мудрость философа, благородство мотрон, красота девушек. 

Скульпторы владели множеством приёмов для оживления скульптурных портретов: сначала зрачки, губы, волосы подцвечивали, позже на месте зрачков стали просто вырезать углубления, что придавало удивительную живость взгляда, а изображая волосы и одежду использовали цветной мрамор. В бронзовые статуи на место глаз вставляли цветные камни. 

Художники Древнего Рима знали секрет восковых красок, которые не тускнели от времени и не боялись воды. Ими они создавали совершенные и выразительные живописные портреты. Но наибольшей популярностью в Древнем Риме пользовалась техника фрески. Фресками покрывались внутренние стены домов и общественных зданий. Иногда это были орнаменты из стеблей, цветов, фигурок людей и животных. Иногда орнаменты сочетались с картинами на мифологические темы или произведений античных поэтов, встречаются и картинки из уличной жизни. Популярной была и мозаика – картины выложенные из небольших кубиков вырезанных из разноцветных камней, стекла. Это были не только замысловатые узоры, покрывающие полы огромных залов, но и картины, не уступающие живописным. 

Развито было и прикладное искусство: тончайшие украшения, покрытые рельефами сосуды изготовляли из серебра и золота, чеканщики умели делать целые статуи. Особенно большого мастерства достигли римляне в резьбе по твёрдому драгоценному и полудрагоценному  камню. Резные камни украшали ожерелья, служили печатями и делились на несколько видов. Гемма (лат. gemma; греч. λίθος) - это был кусок твердого камня, полированный, с вырезанной на нем надписью или художественным изображением. Произведения этого рода можно разделить на две категории: в одних изображение представляется углубленным, как в общеупотребительных печатях. И их принято называть итальянским словом интальи (intagli, по-лат. gemmae exculptae, по-греч. άναγλίφα). Другие называют  камеи (camei, g. ca elatae, греч. έντυπα) . В них изображение  выступает над поверхностью камня в виде более или менее значительного рельефа.  Камеи – камни с выпуклым рельефным изображением, часто изготавливались из многослойных камней, например оникса, сардоникса или агата. К тому же, старались, чтобы светотени камня совпадали с изображаемым портретом. На таких одноцветных камнях, как красный сердолик, зелёный змеевик, фиолетовый аметист – вырезались углубления обратные изображению - инталии. Инталии служили в основном печатями для сургуча или воска, которые прикладывали к письмам и документам. 

---

Культура Средневековья

---

На обломках античной рабовладельческой цивилизации в восточной части Римской империи в результате её распада возникает Византия. Византийское искусство возникло после 330 г.н.э. когда на берегу Босфора император Константин основал город Константинополь. Изначально искусство Византии было подражательным и черпало из античных и восточных источников, но по мере укрепления империи и становления позиций церковных кругов в IVвеке искусство стало приобретать своё лицо. 

В средневековой Византии начало складываться феодальное общество, его сословная иерархия. Общество, его жизнь и культура стали подчиняться деспотической власти императора и церкви. Жизнерадостность античной мифологии вытеснила христианская религия. Полёт мысли художников, поэтов, их творческие изыскания были скованы религиозной идеологией, что не помешало созданию памятников большой художественной ценности. 

В IV веке, во время правления императора Юстиниана I, византийская империя достигла своего расцвета: искусство прославляло мощь и военные триумфы государства. Константинополь, столицу империи, украсили новые, впоследствии ставшие знаменитыми, постройки – Ипподром, Большой дворец, храм святой Софии. Именно начиная из постройки храма святой Софии купол, символизирующий небо, становится неотъемлемой частью византийских церковных построек. К главному куполу храма святой Софии с востока и запада примыкают ещё два полукупола, создавая иллюзию парения в воздухе главного купола. Внутри храм богатейшие украшен: пышность внутреннего убранства в сочетании с торжественными богослужениями , роскошными одеждами священников и драгоценной утварью производила неизгладимое впечатление на молящихся. Значимые памятники ранне-византийской культуры сохранились и на территории теперешней Греции и в Италии, в Равенне. 

Зрелое Византийское искусство сложилось в 730 – 843 годах, а у же в 867 – 1057 гг., при императорах македонской династии, придворное искусство становится менее пышным. Огромные базилики вытесняются церквями в форме вписанного в квадрат креста и увенчанными одним или несколькими куполами. Росписи таких храмов строго продуманы и иллюстрируют основы христианского учения, жизнь Богоматери, Христа и библейских святых. В это же время расцветает и прикладное искусство – резные изделия из слоновой кости, перегородчатые Эмали, ткани. При императорском дворце работают мастерские по изготовлению роскошных рукописей с миниатюрами, которые и сегодня хранятся в библиотеках Ватикана.  

И сегодня мы можем любоваться архитектурными ансамблями ХІ – ХІІ веков: монастыри Хосиос Лукас в Фокиде, Неа Мони на острове Хиосе и Дафни близ Афин. Здесь мы видим великолепный синтез архитектуры и монументальной живописи – мозаики. Говоря о византийской фресковой живописи нельзя не упомянуть росписи храма Святой Софии в Орхиде и монастыря Иоанна Богослова на Патмосе. 

В ХІ – ХІІ вв. искусство Византии широко распространилось в Сицилию и Венецию, в такие славянские страны как Болгария, Сербия, Древняя Русь, на Кавказ. Ведь в те времена оно было самым развинутым и передовым, а потому в феодальних обществах, их высших кругах ему всячески старались подражать. 

После вторжения крестоносцев в столицу Византии Константинополь, как главная художественная школа, перестал существовать. Но тут же активизировалась художественная жизнь в провинции, куда сбежали от крестоносцев большинство столичных художников. И только с 1261 года , после изгнания крестоносцев, начинается медленное возрождение местной школы. Во время правления династии Палеологов появляется новый стиль – палеологовсий, с более свободным движением фигур, более мягким выражением лиц. Но к этому времени монументальное искусство начало мельчать, архитектура утратила свою ведущую роль, а на первый план выдвинулась иконопись. Взятие турками Константинополя в 1453 году привело к полному упадку византийского искусства, которое ещё продолжало существовать на острове Крит, Афоне, православных храмах Болгарии и Сербии, но постепенно изжило себя. 

Говоря об архитектуре средневековья, нельзя обойти стороной Европу, где в начале ХІ в. розвернулось строительство каменных зданий. Постройки этого времени позднее получили название романских. Этот термин был введен французскими архитекторами, которые изучая архитектуру раннего средневековья, обнаружили некоторое сходство культових зданий с постройками Рима. Это наличие арок, сводов, сходство отдельных украшений. А потому и назвали европейское искусство Х – ХІІ вв. романским, т.е. римским, также романскими были названы и языки некоторых европейских народов, происшедшие от латинского языка. 

---

Искусство Возрождения

---

В эпоху Ренессанса итальянские художники и скульпторы пытались дать своим произведения новое духовное качество. Они хотели, чтобы зритель сконцентрировался на глубоком религиозном смысле их картин и скульптур. В эпоху Возрождения итальянские художники и скульпторы, как и в эпоху Ренессанса - итальянские писатели, хотели изобразить человека и природу максимально реалистично. Средневековые архитекторы проектировали огромные соборы, чтобы подчеркнуть величие Бога и скромность человеческого духа. Ренессанс-архитекторы проектировали статуи, которые были пропорциональные человеческому телу и украшение которого поражала своей красотой. Замечательная группа флорентийских архитекторов, художников, и скульпторов работали в начале 1400-х годов. Среди них были художник Мазаччо, скульптор Донателло и архитектором Филиппо Брунеллески. 

---

Итальянское Барокко и Рококо

---

Искусству эпохи Барокко свойственны пышность и динамика, интенсивность чувств, совмещение иллюзорного и реального, сильные контрасты света и тени. 

Для стиля Рококо характерны уход в мир иллюзорной театральной игры, пристрастие к идиллически-пасторальной и чувственно-эротической сюжетике. Великий итальянский мастер Караваджо с богатым использованием тепла в его картинах - были прекрасным примером и классическим представителем итальянского искусства стиля барокко. В начале XVII века Рим стал центром обновления итальянского господства в искусстве. В Парме, Антонио да Корреджо украшает церковь сводами с живым картинами плавающих мягких облаков. И эта схема оказывает  оказать глубокое влияние на картины потолка. Бурные картины гениев из болонской семьи: светотени Караваджо и надежные, без иллюзий картины Карраччи  породили период барокко  в итальянском искусстве. Доменикино  Франческо Альбани, а затем и Андреа Сакки были среди тех, кто творил классические последствия в итальянском искусстве. С другой стороны, Гвидо Рени, Гверчино  Джентилески, Орацио, Джованни Ланфранко, а потом Пьетро да Кортона и Андреа Поццо  сначала были более склонны рисовать динамичные композиции, которые были полны живых композиций. К 1640-му году многие из художников, склонились все же к классическому стилю, который был выдвинули на первый план в Риме французский эмигрант Никола Пуссен. 

---

Итальянский неоклассицизм 19-го века

---

Важнейшей чертой классицизма являлось обращение к формам античного искусства, как к идеальному эстетическому и этическому эталону.  Как и в других частях Европы, итальянское неоклассическое искусство в основном базировалось на принципах древнеримского и древнегреческого искусства и архитектуры. Классицизм и неоклассицизм в итальянском искусстве и архитектуре ярко проявился в работах мастеров, которые разработали в классическом стиле во времена итальянского Возрождения, в частности - Леона Баттиста Альберти и Филиппо Брунеллески. Неоклассицизм делает акцент на симметрии, пропорции, геометрии и регулярность частей, как это принято и  в архитектуре классической древности, и в частности - архитектуре Древнего Рима. Этот стиль быстро распространился на другие итальянские города, а затем в континентальной Европе. Скульптор Антонио Канова был наиболее ярким примером работы в неоклассическом стиле. Он в свое время считался самым блестящим скульптором в Европе. 

---

Итальянское современное искусство

---

В начале 20-го века стараниями поклонников футуризма (итал. futurismo от лат. futurum – будущее), авангардистского художественного течения, разработаны динамичное видение современного мира. И это происходит одновременно с тем, как одновременно с ними Джорджо де Кирико выразил в своих работах странный, даже метафизический покой. Одаренные современные художники и скульпторы Джакомо Манцу, Марино Марини, натюрморты художника Джорджо Моранди и иконоборческое искусство  художника Лючио Фонтана - вот плеяда представителей современного итальянского искусства. Во второй половине ХХ века итальянские дизайнеры, в частности, дизайнеры Милана, имеют еще и глубокое влияние на международные стили в одежде, обуви, аксессуарах и декоре. 

Футуризм – это было итальянское направления в искусстве, которое процветало с 1909 до 1916 годы. нем рождения футуризма считается 20 февраля 1909, когда в парижской газете « Le Figaro» появился написанный  Филиппо Томмазо Маринетти Манифест футуризма. Именно Маринетти стал теоретиком и вождем первой, миланской, группы футуристов. Манифест был обращен к молодым итальянским деятелям искусства. Всему миру известны слова Манифеста: «Самые старые среди нас – тридцатилетние, за 10 лет мы должны выполнить свою задачу, пока не придет новое поколение и не выбросит нас в корзину для мусора.». В Манифесте отрицались все духовно-культурные ценности прошлого.Это был первое из многих движений искусства, которые пытались порвать с прошлым во всех сферах жизни. Неслучайно футуризм возник в Италии, стране-музее. «У нас нет жизни, а есть только одни воспоминания о более славном прошлом… Мы живем в великолепном саркофаге, в котором плотно привинчена крышка, чтобы не проник свежий воздух», – жаловался Маринетти. Ввести своих соотечественников на Олимп современной европейской культуры – вот то, что несомненно стояло за эпатажно-крикливым тоном манифеста. Группа молодых художников из Милана, а затем и из других городов немедленно откликнулась на призыв Маринетти – и своим творчеством и собственными манифестами. 11 февраля 1910 появляется Манифест художников-футуристов, а 11 апреля того же года – Технический манифест футуристической живописи, подписанный У.Боччони, Дж.Балла, К.Карра, Л.Руссоло, Дж.Северени – наиболее крупными художниками-футуристами.

Футуризм прославляет мощь, скорость и движение, которое характерны для индустриального века. Из французских художников кубизма и многократной экспозиции фотографии, футуристы научились разбивать реалистичные формы на несколько изображений. Таким способом, они пытались изобразить энергию и скорость современной жизни. В литературе, футуристы потребовали отмены традиционные структуры предложения и стихотворных форм. 

Боччони, который был самым талантливым художником в группе, и Sant'Elia оба умерли во время военной службы в 1916 году. Смерти Боччони, в сочетании с расширением членов группы и отрезвляющими реалиями разрушений, вызванных Первой мировой войной, фактически положили конец движения футуризма, как важной исторической силы в изобразительном искусстве. 

Искусство Италии настолько огромно, многолико и богато, что в рамках одной страницы или даже одного сайта - рассказать о всем просто невозможно. Но мы будем продолжать публиковать статьи на эту тему. И надеемся на снисходительность читателей к тому, что материалы сайта написаны людьми, которые просто любят Италию. Но к сожалению, не имеют специального искусствоведческого образования :)